Julius Windisch

Live at Morphine documents a pivotal moment in the work of the quartet immerweiter, led by pianist and composer Julius Windisch. Beginning with a repetitive trumpet line, multilayered soundscapes unfold—polyrhythmically interwoven, raw yet marked by a fragile beauty. Recorded live in November 2024 at the Morphine Raum in Berlin, the album tells a story of possibility, openness, and a musical language in constant evolution. Inspired by the energy of early 1990s electronic music, Live at Morphine translates its aesthetic into an acoustic context, reflecting a present shaped by doubt, longing, and a sense of future openness. Windisch’s work as a bandleader, composer, and pianist is inherently political: themes such as anti-discrimination, climate justice, and the dismantling of hierarchies shape his artistic thinking and find direct expression in the attitude with which he composes and performs.

JULIUS WINDISCH: “IMMERWEITER – LIVE AT MORPHINE RAUM”

MUSIC AS A PLACE OF LONGING

By Maxi Broecking

A trumpet solo introduces a repetitive melodic line, slowly shifting, gradually unfolding into wide, expansive textures. One by one, the piano and the other instruments enter, slightly offset in polyrhythmic layers. What emerges are sound fields and interruptions—raw, unpolished, and marked by a fragile beauty. The result is an epic piece titled “Aphex Twin,”recorded live in November 2024 at Morphine Raum in Berlin by pianist and composer Julius Windisch for the second album by his quartet immerweiter.

The music tells a story of possibility, interconnection, and the search for a new musical language. It draws on an aesthetic rooted in the early 1990s techno scene—its sense of release through rhythm and physical energy—echoing the raw yet tender visual language of artist Wolfgang Tillmans. Windisch translates these influences into the present, a time that feels equally fragile, shaped by uncertainty and anxiety about the future.

Windisch set out to capture this emotional state in his music, while also offering a sense of hope in moments when long-held certainties begin to dissolve. For him, music is a place of longing—a space where emotions can be processed and new perspectives can emerge. The band name immerweiter (“always moving forward”) functions like a mantra: things continue, they have to. It stands as a utopian idea, a field of possibilities, and at the same time as a personal statement from Windisch as a musician, composer, and chronicler of his time.

In Windisch’s work, jazz expands through the vocabulary of electronic music, opening up virtually limitless sonic possibilities beyond the physical constraints of traditional instruments. One central question for him was how the energy and immediacy of British electronic and ambient composer Aphex Twin could be translated into an acoustic quartet—and how rhythmically complex structures might support, rather than overpower, the fragility of a melody.

Like Aphex Twin, who frequently works with polyrhythms, Windisch experiments throughout the album with unusual meters, played simultaneously by different members of the ensemble. These rhythmic layers run alongside one another, overlap, and interlock. “It was very different from writing for a traditional jazz quartet,” Windisch explains. “The music isn’t always naturally suited to these instruments, but that’s exactly where new possibilities emerge and established conventions start to break down.”

“I’m drawn to music that feels coherent without immediately revealing how everything fits together,” says Windisch. What fascinates him is the unpredictable—alongside a deep sense of affirmation, where pain, melancholy, and despair remain audible, yet are met with resistance. Another important influence was composer Wolfgang Rihm and his method of layering musical forms, combining emotional intensity with a conceptual, intellectual framework.

Two compositions, “Instagram” and “Schweben,” were newly recorded for this album and highlight the quartet’s evolving sound and expressive range. Windisch appears on piano and synthesizer, joined by Pascal Klewer on trumpet, Sofia Eftychidou on bass, and Marius Wankel on drums. The remaining five pieces emerged over the course of 2024 as snapshots—musical self-portraits shaped by Windisch’s experience of that period. “I like it when a beat feels like it’s stumbling,” he says. “With rough edges. Because life is like that. I want to write music that reflects life.”

Live at Morphine dokumentiert einen zentralen Moment im Schaffen des Quartetts immerweiter um den Pianisten und Komponisten Julius Windisch. Ausgehend von einer repetitiven Trompetenlinie entfalten sich vielschichtige Klangräume, polyrhythmisch verschränkt, roh und zugleich von fragiler Schönheit. Die Liveaufnahme, entstanden im November 2024 im Morphine Raum Berlin, erzählt von Möglichkeiten, Offenheit und einer sich stetig entwickelnden musikalischen Sprache. Inspiriert von der Energie elektronischer Musik der frühen 1990er-Jahre übersetzt das Album deren Ästhetik in einen akustischen Kontext und spiegelt damit eine Gegenwart zwischen Zweifel, Sehnsucht und Zukunftsoffenheit. Windischs Arbeit als Bandleader, Komponist und Pianist ist dabei stets auch politisch: Themen wie Antidiskriminierung, Klimagerechtigkeit und der Abbau von Hierarchien prägen sein künstlerisches Denken und finden unmittelbaren Ausdruck in der Haltung, mit der er komponiert und musiziert.

JULIUS WINDISCH: IMMERWEITER – LIVE IN MORPHINE RAUM

MUSIK ALS SEHNSUCHTSORT

Von Maxi Broecking

Ein Trompetensolo spielt eine repetitive Melodielinie, langsam variierend, sich flächig ausbreitend. Nach und nach kommen, polyrhythmisch versetzt, das Klavier und die anderen Instrumente dazu. Als Klangflächen, Interruptionen, roh, unbehauen, in fragiler Schönheit. Es ist ein episches Stück, „Aphex Twin“, aufgenommen von dem Pianisten und Komponisten Julius Windisch im November 2024 Live im Morphine Raum in Berlin für das zweite Album seines Quartetts „immerweiter“. Es ist eine Erzählung von Möglichkeiten, Verschränkungen und einer neuen musikalischen Sprache. Sie nimmt eine Ästhetik auf, die die beginnende Techoszene der frühen 1990er Jahre, das Loslassen in der Energie der Musik und des Rhythmus, festgehalten in den rohen und gleichzeitig zärtlichen Portraits des Künstlers Wolfgang Tillmanns, in ein Jetzt übersetzt. In diese ebenfalls so fragile Zeit voller Zweifel und Zukunftsängste.

Dieses Gefühl habe er in seiner Musik ausdrücken wollen, aber auch, dieser Zeit des Zweifelns an lange vertraute Gewissheiten eine Form der Hoffnung entgegenzusetzen. Für ihn sei Musik auch ein Sehnsuchtsort, an dem man diese Emotionen verarbeiten und neue Hoffnung schöpfen könne. Der Bandname „immerweiter“ sei wie ein Mantra. Dass es einfach immer weitergeht, weitergehen muss. Als utopisches Konzept, als Szenario der Möglichkeiten. Doch auch für ihn als Musiker, als Künstler, als Komponist und damit Chronist dieser Zeit. Für Windisch erweitert sich der Jazz um das Vokabular der elektronischen Musik und damit der unbegrenzten Möglichkeiten, Klänge zu erzeugen, ohne durch das eigene Instrument limitiert zu sein. Er fragte sich, wie sich etwa die Energie und Klangästhetik des britischen Elektronik- und Ambient-Komponisten und DJs Aphex Twin und das Gefühl der Direktheit, dass diese Musik in ihm auslöste, auf ein akustisches Quartett übertragen lasse. Und wie rhythmisch-komplexe Formen die Zerbrechlichkeit einer Melodie tragen können.

Wie Aphex Twin, der mit Polyrhythmen arbeitete, experimentiert auch Windisch auf dem Album mit einer Vielzahl ungewöhnliche Metren, die gleichzeitig von den verschiedenen Bandmitgliedern gespielt werden und neben- und übereinander laufen oder sich ineinander verschränken. „Es war anders, als für ein klassisches Jazzquartett zu schreiben. Meine Musik ist nicht unbedingt ideal spielbar für diese Instrumente, aber durch dieses Umdenken entstehen neue Möglichkeiten und ein Aufbrechen gewohnter Konventionen und Improvisationsmuster.“

„Ich mag es, wenn Musik so funktioniert, dass man das Gefühl hat, sie ergibt auf eine Art Sinn, aber man versteht nicht sofort, wie alles ineinanderpasst“, so Windisch.
Es sei das Unvorhersehbare, dass ihn fasziniere. Aber auch diese unbedingte Positivität, in der man den Schmerz heraushöre, die Melancholie und Verzweiflung, aber auch den Kampf dagegen. Ein weiterer kompositorischer Ansatz war auch der Prozess der Überlagerung von Formen in der Musik von Wolfgang Rihm, das Emotionale Erleben mit einem intellektuell konzeptuellen Ansatz zu verbinden.

Zwei Kompositionen, „Instagram“ und „Schweben“ spielte Windisch erneut ein, sie zeigen die Entwicklung und den Variationsreichtum der Band mit ihm selbst an Klavier und Synthesizer, Pascal Klewer an der Trompete, Sofia Eftychidou am Bass und Marius Wankel am Schlagzeug. Die anderen fünf Stücke entstanden im Laufe des Jahres 2024 wie Momentaufnahmen. Als Selbstportraits für sein Empfinden in dieser Zeit. „Ich mag es, wenn der Beat sich anfühlt, als würde er stolpern, mit Ecken und Kanten. Weil das Leben so ist. Ich möchte Musik schreiben, die das Leben widerspiegelt.